Horário:09h30 – 18h30&nbsp;Abertura de portas:09h00&nbsp;Localização:<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">Convento São Francisco</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">Avenida da Guarda Inglesa, nº 1 A</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">3040-293 Coimbra</a>&nbsp;&nbsp;&nbsp;Bilhetes e Passes:&nbsp;<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.eventbrite.pt/e/bilhetes-parte-summit22-342616624547">Passe 2 sessões Coimbra e Loulé: 40,00€</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.eventbrite.pt/e/bilhetes-parte-summit22-342616624547">Passe 2 sessões Coimbra e Loulé com desconto 50%: 20,00€</a>&nbsp;As vendas terminam a 25 de julho de 2022Os passes para as duas sessões da PARTE Summit estão disponíveis para venda em número limitado, contudo podem ser adquiridos bilhetes avulsos para as sessões de Loulé e Coimbra nas bilheteiras físicas ou online das respetivas salas de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.bol.pt/Comprar/Bilhetes/110819-parte_summit_22_loule-cineteatro_louletano/">Loulé</a> e <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.bol.pt/Projecto/EntidadesAderentes/4079-convento_sao_francisco">Coimbra</a>.&nbsp;Descontos aplicáveis a estudantes, munícipes dos concelhos de Coimbra e Loulé, associados, membros das organizações parceiras PARTE (AICA, AAVP, Exhibitio, RPAC e outras a designar), pessoas com necessidades específicas e portadores de cartão sénior (disponível apenas mediante levantamento de bilhete nas bilheteiras físicas).

Time:09:30 am - 18:30 pm&nbsp;Doors Open:09:00 am&nbsp;Location:<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">Convento São Francisco</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">Avenida da Guarda Inglesa, nº 1 A</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.google.com/maps/place/Convento+São+Francisco/@40.2034418,-8.4381565,17z/data=!3m1!4b1!4m5!3m4!1s0xd22f9aa14f41745:0x3f26f440bd4b86e6!8m2!3d40.2034453!4d-8.4358783">3040-293 Coimbra</a>&nbsp;&nbsp;&nbsp;Tickets and Passes:&nbsp;<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.eventbrite.pt/e/bilhetes-parte-summit22-342616624547">Pass for 2 sessions Coimbra and Loulé: 40,00€.</a><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.eventbrite.pt/e/bilhetes-parte-summit22-342616624547">Pass for 2 sessions Coimbra and Loulé with 50% discount: 20,00€.</a>Sales end Jul 25, 2022&nbsp;Passes for the two sessions of PARTE Summit are available for sale in limited number, however single tickets for the Loulé and Coimbra sessions may be purchased at the physical or online ticket offices of the respective venues in <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.bol.pt/Comprar/Bilhetes/110819-parte_summit_22_loule-cineteatro_louletano/">Loulé</a> and <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.bol.pt/Projecto/EntidadesAderentes/4079-convento_sao_francisco">Coimbra</a>.&nbsp;Discounts apply to students, residents of the municipalities of Coimbra and Loulé, associates, members of PARTE partner organizations (AICA, AAVP, Exhibitio, RPAC and others to be designated), people with special needs and senior card holders (available only by picking up the ticket at the physical ticket office).

Coimbra Session

PARTE Summit é um encontro internacional que junta algumas das pensadoras e pensadores mais destacados no meio artístico. Esta convoca diferentes saberes e pessoas interessadas em acompanhar as práticas artísticas na relação com a transformação dos territórios e das sociedades.&nbsp;O programa conta com palestras, mesas redondas e performances em resposta a questões previamente lançadas pelas curadoras e curadores convidados. A partir destas questões, painéis multidisciplinares juntam artistas, autoras e outros pensadores para ensaiar respostas ou dar continuidade a interrogações comuns.&nbsp;A PARTE Summit'22 realizou-se em dois sábados consecutivos e em duas sessões de dia inteiro em diferentes regiões do País, a 30 de julho no Convento São Francisco em Coimbra e a 6 de agosto de 2022 no Cineteatro Louletano em Loulé.

Encontro internacional que junta algumas das pensadoras e pensadores mais destacados no meio artístico

PARTE Summit '22

Podem a arte contemporânea e artistas ser catalisadores de mudança em diferentes escalas - pessoal, colectiva, estrutural?&nbsp;&nbsp;Zoé Whitley, Directora da Chisenhale Gallery, lança uma pergunta carregada de simbolismo,&nbsp;&nbsp;Can contemporary art and artists change the world we live in? Can these dialogues and reflections ignite changes at a variety of scales - personal, collective, structural?&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;Zoé Whitley é Diretora da Chisenhale Gallery em Londres, Reino Unido. Foi curadora do Pavilhão Britânico na Bienal de Veneza 2019, e co-curadora da exposição itinerante&nbsp;Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, organizada pela Tate. Faz parte da Comissão de Recolha do Conselho das Artes de 2020-22 e da Comissão de Diversidade no Domínio Público do Presidente da Câmara. As suas funções anteriores incluem Curadora Sénior (Hayward Gallery); Curadora, Arte Internacional (Tate Modern) e Curadora de Programas Contemporâneos (V&amp;A). Escreve amplamente sobre artistas contemporâneos, mais recentemente sobre Suki Seokyoung Kang, Kehinde Wiley, e Faith Ringgold. Whitley é trustee do Creative Access and Decolonising Arts Institute. Faz parte da Comissão de Recolha do Conselho das Artes de 2020-22 e da Comissão de Diversidade no Domínio Público do Presidente da Câmara. As suas funções anteriores incluem Curadora Sénior (Hayward Gallery); Curadora, Arte Internacional (Tate Modern) e Curadora de Programas Contemporâneos (V&amp;A). Mónica de Miranda vive e trabalha em Lisboa e Luanda. Mónica é uma artista visual, fotógrafa, cineasta e investigadora angolana/portuguesa que trabalha com questões pós-coloniais de geografia e narrativas históricas e de identidade e lugar. O trabalho de De Miranda é baseado em pesquisa e reflete&nbsp; a convergência de política, género, memória e espaço. Os seus trabalhos desenvolvem-se a partir de meios diversos em vídeo, fotografia e instalação nas suas formas expandidas e nas fronteiras entre ficção e documentário. Graduada&nbsp; em Artes Visuais pelo Camberwell College of Arts (Londres, 1998), com mestrado em Arte e Educação pelo Institute of Education (Londres, 2000) e doutorada em Artes Visuais pela University of Middlesex (Londres, 2014). ). Mónica é também uma das fundadoras do projeto de residências artísticas Triangle Network em Portugal e fundou em 2014 o projeto Hangar – Centro de Investigação Artística, em Lisboa. Em 2019 foi nomeada para o Prémio EDP no Museu Maat (Lisboa, Portugal) e em 2016 foi nomeada para o Prémio de Fotografia Novo Banco e expôs no Museu Coleção Berardo (Lisboa, Portugal) como finalista. Mónica também foi nomeada para o Prix Pictet Photo Award no mesmo ano. Tem participado em várias residências em instituições como a Tate Britain, French Institute, British Council/Iniva. A sua obra está presente em coleções públicas como o MAAT, Ministério da Cultura de Portugal, Fundação Calouste Gulbenkian, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado e Arquivo Municipal de Lisboa.

Zoé Whitley

Mónica de Miranda

A mudança é possível?

Os últimos dois anos mudaram-nos enquanto sujeitos e mudaram os vários espaços e comunidades onde nos movimentamos, forçaram muitos a redefinir modos de estar e de comunicar, e a rever prioridades em termos pessoais e institucionais. Como devem as instituições reavaliar os espaços, as estruturas e as metodologias das instituições culturais para encontrar novas formas de trabalho e reunir uma pluralidade de vozes? &nbsp; Devemos repensar juntos as noções de acolhimento e de convivência nas instituições culturais através da curadoria, da mediação e da comunicação. Como podem as instituições priorizar a inclusão, a representatividade e a colaboração na arte contemporânea?&nbsp;&nbsp; Vincenzo de Bellis é Curador e Diretor Associado de programas em Artes Visuais no Walker Art Center, Minneapolis. Atualmente, encontra-se a trabalhar na grande retrospetiva de Jannis Kounellis intitulada&nbsp;Jannis Kounellis in Six Acts(2022), organizada pelo Walker Art Center e o Museo Jumex, Cidade do México. Durante o seu percurso no Walker Art Center, organizou várias exposições, como a exposição coletiva&nbsp;The Paradox of Stillness: Art, Object, and Performance(2021); a primeira exposição individual do artista mexicano nos Estados Unidos,&nbsp;Mario García Torres, Illusion Brought Me Here (2018); a primeira exposição em museu de&nbsp;Nairy Baghramian, Déformation Professionnelle (2017); e a exposiçãocoletiva&nbsp;I Am You, You Are Too&nbsp;(2017). Também supervisionou a exposição no Walker Art Center:&nbsp;Jimmie Durham: At the Center of the World (2017). Em 2015, comissariou&nbsp;Ennesima: An Exhibition of Seven Exhibitions on Italian Art na Trienal de Milão e Betty Woodman’s survey no Museo Marino Marini, Florença, e no Institute of Contemporary Arts, Londres. De 2009 a 2016 de Bellis foi Diretor Fundador e Curador no Peep-Hole Art Center em Milão e de 2012 a 2016 foi também Diretor Artístico da Miart, Feira Internacional de Arte Moderna e Contemporânea de Milão. Kasia Redzisz é Diretora Artística no Kanal - Centre Pompidou em Bruxelas. Foi Curadora Sénior no Tate Liverpool, onde foi responsável pelo programa e colaborações internacionais. Entre 2008 e 2015 trabalhou como comissária na Tate Modern. Ao mesmo tempo, entre 2008 e 2015 foi Diretora de Projetos de Arte Aberta, uma organização dedicada a comissões de arte inovadoras. O seu trabalho independente inclui muitos projetos interdisciplinares, mais recentemente a exposição inaugural do Muzeum Susch (2019) e a quarta edição de Art Encounters Biennial (2021). É autora de livros, editora de catálogos de exposições e colaboradora de revistas como Frieze, Mousse e Tate Etc. A prática curatorial de Redzisz reflete o seu empenho na igualdade, experimentação e no estabelecimento de diálogos transnacionais entre práticas artísticas decorrentes de diversas geografias. Filipa Oliveira é desde 2018 Curadora e Programadora de Artes Visuais da Câmara Municipal de Almada, tendo a seu cargo a direcção artística da Casa da Cerca, Galeria Municipal de Almada e Convento dos Capuchos. Entre 2015 e 2017 foi diretora artística do Fórum Eugénio de Almeida em Évora. Trabalhou como curadora independente durante 12 anos, colaborando com instituições como Centro Cultural de Belém (Lisboa), Kettle’s Yard (UK), John Hansards Gallery (UK), Tate Modern (UK), Fundação Calouste Gulbenkian Centro de Arte Moderna (Lisboa), Fundação Carmona e Costa (Lisboa, Fondation Calouste Gulbenkian (França), Museu Colecção Berardo (Lisboa), Crac Alsace (França), Kunstverein Springhornhof (Alemanha), Ffotogallery (UK), Mead Gallery (UK), Frieze Projects (UK), Stills Gallery (UK), entre outros. Foi curadora assistente na 28ª Bienal de São Paulo em 2010 e em 2012 foi curadora convidada do projecto Satellite no Jeu de Paume, Paris onde comissariou exposições individuais de Jimmy Robert, Tamar Guimarães, Rosa Barba e Filipa César. Em 2022 foi co-curadora com Elfi Turpin de “Meia-noite”, Anozero' 21-21Bienal de arte contemporânea de Coimbra. Tem uma extensa lista de participações em catálogos e publicações. Escreveu ensaios e críticas de exposições para Arte Contexto, Contemporary, Flash Art, L+Arte, Revista Contemporânea, e Artforum.&nbsp;Luís Silva é diretor da Kunsthalle Lissabon, instituição que fundou com João Mourão em 2009. É co-curador da Representação Oficial Portuguesa na 59.ª Bienal de Veneza com o projeto “Vampires in Space” de Pedro Neves Marques. Uma seleção de exposições recentes que apresentou na Kunsthalle Lissabon inclui individuais de Gabriel Chaile, Manuel Solano, Sheroanawe Hakihiiwe, Ad Minoliti, Zheng Bo, Laure Prouvost, Caroline Mesquita e Engel Leonardo. Silva fez a curadoria de inúmeros projetos independentemente, destacando-se exposições em instituições como o Pivô, em São Paulo, a Extra City, em Antuérpia, a David Roberts Art Foundation, em Londres, a Fundação Arpad Szenes – Vieira da Silva e o MAAT, em Lisboa, ou o MACE, em Elvas. Para além da sua prática curatorial Luís Silva foi também&nbsp;contributing editor da revista CURA. e co-editor da série de publicações&nbsp;Performing the Institution(al), bem como de vários volumes monográficos. Foi co-curador da ZONA MACO SUR (2015 - 2017), a secção de&nbsp;solo projects da feira de arte contemporânea da Cidade do México e da secção&nbsp;Disegni (2017 -2019) da Artissima em Turim.

Vincenzo de Bellis, Kasia Redzisz, Filipa Oliveira & Luís Silva

Vincenzo de Bellis

Kasia Redzisz

Filipa Oliveira

Luís Silva

Como podem as instituições culturais operar de forma diferente e construir experiências plurais? & Como podem as instituições acolher, viver e trabalhar em conjunto?

Entrar numa galeria, num museu, num espaço independente, numa bienal, num lugar de exposição é sempre uma experiência. Visitamos exposições de arte, mas será que olhamos efetivamente para as obras de arte em exposição? Quais as razões para irmos ao encontro de obras de arte? O que nos impele a sair da nossa zona de conforto e a redescobrir o mundo?&nbsp;&nbsp; Daniel Baumann é um historiador de arte suíço (Faculdade de Letras, Universidade de Genebra), curador e crítico. Foi curador de 1996 a 2014 da Fundação Adolf Wölfli, Museu de Belas Artes de Berna, Suíça. Em 1997, foi curador da exposição&nbsp;Martin Kippenberger. Respektive no Mamco em Genebra. Foi curador de&nbsp;Kunsttangente, um projeto de arte pública em Basileia, Suíça (2003-2010), e foi curador, em 2003, de&nbsp;Junge Szene na Secession em Viena. Em 2004, iniciou uma série de exposições em Tbilisi, Geórgia (até 2009/2016). Em 2009, comissariou&nbsp;Fantastic Tavern: The Tbilisi Avant-Garde na Casey Kaplan Gallery em Nova Iorque (em colaboração com Nana Kipiani). De 2008 a 2013, Baumann dirigiu o espaço de exposição de Basileia, Nova Jerseyy, juntamente com Tobias Madison, Emanuel Rossetti, e Dan Solbach. Foi o curador da&nbsp;Carnegie International&nbsp;de 2013 no Museu de Arte Carnegie, Pittsburgh, juntamente com Dan Byers e Tina Kukielski. É colaborador de revistas como&nbsp;artforum,&nbsp;Frieze,&nbsp;Piktogram,&nbsp;Spike, et al. Desde 2015, Daniel Baumann é o Diretor da Kunsthalle Zürich, Suíça. Gabriel Abrantes nasceu na Carolina do Norte, Estados Unidos, em 1984. Os seus filmes estrearam na Quinzaine des Réalisateurs e Semaine de la Critique - Cannes, Berlinale, Festival de Cinema de Locarno, Bienal de Veneza, e no Festival Internacional de Cinema de Toronto. Foram distinguidos com vários prémios, incluindo o Grande Prémio no Semaine de la Critique, o prémio EFA no Berlinale, o Leopardo de Ouro no Festival de Cinema de Locarno, e o Prémio EDP Jovens Artistas. O seu trabalho foi exibido na Whitechapel Gallery e Tate Britain (Londres), no Palais de Tokyo (Paris), no MIT List Visual Arts Center (Boston), no Kunst Werke (Berlim) e no Museu de Serralves (Porto). Participou na 32ª Bienal de São Paulo, na Bienal Tropical de 2016, e na Bienal d'Image Mouvement de 2014. A sua obra foi exibida em séries de retrospetiva no Lincoln Center (Nova Iorque) e BAFICI (Buenos Aires). Atualmente vive e trabalha em Lisboa.

Daniel Baumann

Gabriel Abrantes

Porque é que olhamos para as exposições?

Será que a carga conceptual da performance nos fez aproximar ou afastar desta prática artística? Qual o peso do conceito centenário que move intérpretes, performers, atores e artistas em momentos que ficam cristalizados no tempo? Como se diferencia uma performance ao vivo e a representação em forma de documentação? Como se incorpora o arquivo e a construção de memória no impacto desta prática? O espírito “livre” da performance morreu ou mudou? &nbsp;&nbsp;Hendrik Folkerts é Curador de Arte Contemporânea Internacional no Moderna Museet, Estocolmo. Anteriormente, Folkerts foi Curador de Arte Moderna e Contemporânea do Dittmer no Art Institute of Chicago (2017-2022); Curador no documenta 14, Kassel/Athens (2014-2017); Curador de Programas de Performance, Cinema e Discursivo no Stedelijk Museum, Amesterdão (2010-2015); e Coordenador do Programa Curatorial no De Appel arts centre, Amesterdão (2009-2011). Folkerts é especialista na curadoria de exposições e em uma abordagem curatorial centrada no artista que destaca as noções de cuidado, acolhimento, e no processo de construção das exposições de arte contemporânea. Foi curador de numerosas exposições individuais e coletivas internacionais, bem como apresentações de coleções, novas comissões, e séries de programas, ancoradas no campo expandido da performance e construindo sobre as questões feministas, queer, e anti-coloniais das histórias da arte. David Cabecinha (1987)&nbsp;é licenciado em teatro, ramo actores, na Escola Superior de Teatro e Cinema (Lisboa). Trabalha regularmente nas artes performativas e em cinema desde 2008, como dramaturgista, co-argumentista, ator, produtor e assistente de realização/encenação. No seu percurso colaborou com companhias de teatro como a mala voadora, com coreógrafas e coreógrafos como Dinis Machado, Rita Natálio e João dos Santos Martins e realizadores com Jorge Jácome e Carlos Conceição. Entre 2016 e 2017 assume a direcção artística do festival Temps d’Images Lisboa, onde promoveu uma programação de experimentação por artistas emergentes e artistas consolidados, como Vera Mantero e Apichatpong Weerasethakul. Em 2018 assume a direção artística do Alkantara, com Carla Nobre Sousa, onde defende a diversificação das programações culturais e promove diálogos para futuros mais acessíveis e inclusivos, a partir das artes performativas.

Hendrik Folkerts

David Cabecinha

Vinte anos passados sobre a institucionalização da performance, será que esta ainda está viva?

Rita Natálio é&nbsp;artista e pesquisador. Lésbica não-binária. Os seus espaços de prática relacionam poesia, escrita ensaística e performance. Doutorando em Estudos Artísticos na FCSH-UNL e Antropologia na USP, com bolsa FCT, pesquisa desde 2014, o recente debate sobre o conceito de Antropoceno e o seu impacto sobre a redefinição disciplinar e estética das relações entre arte, política e ecologia. Estudou Artes do Espetáculo Coreográfico na Universidade de Paris VIII e é mestre em Psicologia pela PUC-SP onde estudou as relações entre imitação e invenção na obra de Gabriel Tarde. A partir da sua pesquisa doutoral, realizou uma série de conferências-performance, entre elas “Antropocenas” (2017) com João dos Santos Martins,&nbsp; “Geofagia” (2018) e “Fóssil” (2020). Publicou também dois livros de poesia (“Artesanato”, 2015 e “Plantas humanas”, 2017). Em 2019, participou de um grupo curatorial fomentado por Ailton Krenak que organizou “Ameríndia: percursos do cinema indígena no Brasil” na Fundação Calouste Gulbenkian, uma mostra que trouxe 5 cineastas indígenas a Portugal e apresentou mais de 30 filmes de produção indígena. Em 2020, Rita Natálio co-organizou o seminário “Re-politizar o Antropoceno” dentro do projeto internacional Anthropocene Campus Lisboa junto com Davide Scarso e Elisabeth Johnson, projeto originado no HKW em Berlim e atualmente disseminado em diversas instituições culturais. Co-organiza, com André e.Teodósio, uma chancela editorial Ed.______&nbsp; que resulta da parceria Sistema Solar/Teatro Praga e que tem como foco as artes performativas e os sistemas de poder e protesto na atualidade. Colabora regularmente com o jornal de artes performativas Coreia.

Rita Natálio

Performance

Fernanda Fragateiro (Montijo, 1962)&nbsp;vive e trabalha em Lisboa. Ao operar no campo da tridimensional e desafiar a tensão entre escultura e arquitetura, a sua obra potencia relações com o lugar, colocando o espectador numa situação performativa. Alguns dos seus projetos resultam de colaborações com arquitetos, paisagistas, artistas e performers. Os projetos de Fragateiro são caracterizados por um grande interesse em repensar e investigar as práticas modernistas. A sua prática envolve uma abordagem arqueológica da história social, política e estética do modernismo através de pesquisas continuadas com material de arquivos, documentos e objetos. As suas intervenções esculturais e arquitetónicas em espaços inesperados (um mosteiro, um orfanato, uma casa em ruínas) e suas alterações subtis de paisagens existentes revelam histórias enterradas de construção e transformação. A sua obra está representada em várias coleções públicas e privadas. Fernanda Fragateiro é representada por Galeria Elba Benitez (Madrid), Josée Bienvenu Gallery (New York), Galeria Filomena Soares (Lisboa) e Irène Laub Gallery (Bruxelas).

Fernanda Fragateiro

Projeto de Artista

Qual é o papel da arte na abordagem da discriminação de género? Apesar das muitas iniciativas tomadas para gerar uma mudança estrutural, a discriminação de género ainda é uma realidade. Há muito a fazer para melhorar a igualdade das mulheres nas artes e na sociedade. Se a arte pretende ter um impacto real no compromisso para com a igualdade de género, qual é o seu papel na abordagem desta questão como uma prática distinta? Como podemos reforçar a contribuição fundamental da mulher para a cultura contemporânea? De que forma podemos explorar a noção de feminino nas artes?&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Bruna Roccasalva é Diretora Artística da Fondazione Furla. Na Fondazione Furla, está a cargo da curadoria de exposições organizadas em colaboração com as principais instituições de arte italianas:&nbsp;Nairy Baghramian. Misfit (2021) com GAM-Galleria d'Arte Moderna, Milão (2021);&nbsp;Haegue Yang: Tightrope Walking and Its Wordless Shadow&nbsp;com La Triennale, Milão (2018); e o programa de performance&nbsp;Time after Time, Space after Space (2017-2018) com o Museo del Novecento, Milão. Foi Editora da Revista L'Officiel Art (2016-2019) e editora da Peep-Hole Sheet (2009-2016). Antes de se juntar à Fondazione Furla em 2016, foi Diretora Fundadora e Curadora do Peep-Hole Art Center, um centro de arte contemporânea independente em Milão, que co-fundou em 2009 e onde desenvolveu projetos em parceria com várias instituições, tais como Kunsthalle Zürich, o Contemporary Art Center, Vilnius, CAC Centre d'Art Contemporain, Brétigny, Portikus, Frankfurt, Kunst Halle Sankt Gallen, FRAC Champagne Ardenne, Reims e CAG, Vancouver. Foi Coordenadora de Publicações na Mousse Publishing (2010-2011) e Curadora Associada no GAMeC - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (2003-2009), onde colaborou em exposições individuais e coletivas, e em várias publicações, como as monografias de Alighiero Boetti e Giulio Paolini. Foi Professora de História da Arte Contemporânea no IED-Istituto Europeo di Design em Milão (2006).&nbsp;Ana Cristina Cachola (1983, Elvas, PT) é curadora independente, professora universitária e escreve regularmente para publicações artísticas e académicas. É licenciada em Ciências da Comunicação pela Universidade Nova de Lisboa e mestre em Gestão Cultural pela Universidade Católica Portuguesa (UCP). É doutorada em Estudos de Cultura pela UCP, pesquisa financiada pela Fundação para a Ciência e Tecnologia. Em 2016, obteve uma bolsa individual de pós-doutoramento, da mesma Fundação. Faz parte da equipa que lidera o projecto europeu 4Cs: from Conflict to Conviviality through Creativity and Culture, apoiado pela Europa Criativa. Foi curadora de exposições individuais e colectivas em instituições como o MAAT, a Fundação Calouste Gulbenkian, a Galeria da Boavista (Lisboa), 50 Golborne (Londres), La Nave (Madrid), entre outras. É diretora artística do projeto Comunidade enquanto Imunidade e fundou e dirige o programa curatorial feminista Quéréla, em Lisboa, desde 2020.&nbsp; Utilizando a pintura, fotografia e vídeo experimental para retratar processos identitários, negritude, memória e cura, Filipa Bossuet é o culminar do interesse pelas artes, jornalismo e tudo o que a faça sentir viva. Licenciou-se em Ciências da Comunicação, é discente no mestrado de Migrações, Inter-etnicidades e Transnacionalismo e é membro da União Negra das Artes. Desde a profissionalização do seu trabalho artístico, em 2020, conta com a realização e edição do vídeo sobre a performance “Coronas in the Sky, Not a Manifesto! an essay on Afrofuturism” de Melissa Rodrigues; participação nas exposições coletivas: “Linguagens e Identidades” do Festival Rama em Flor, “Kilombo” no Espaço Alkantara com a curadoria das Aurora Negra e “Linha Imaginária” no MU.SA (Museu das Artes de Sintra), em 2021. No mesmo ano, ilustrou o livro “Sempre que Acordo” de Lara Mesquita, capa da 1ª edição do Prémio Nova Dramaturgia de Autoria Feminina, da Companhia de Teatro Cepa Torta. Desenvolveu ainda o conceito MANKAKA KADI KONDA KO que se ramifica, num primeiro momento, na sua primeira instalação a solo independente, em contexto virtual 360º,&nbsp; de imersão ao espaço criativo físico e mental da artista. Em 2022, o conceito desenvolve-se numa segunda ramificação, em instalação física, presente na exposição “Interferências” no MAAT.

Bruna Roccasalva, Ana Cristina Cachola & Filipa Bossuet

Coimbra Session

A mudança é possível?

Zoé Whitley

Mónica de Miranda

Como podem as instituições culturais operar de forma diferente e construir experiências plurais? & Como podem as instituições acolher, viver e trabalhar em conjunto?

Vincenzo de Bellis

Kasia Redzisz

Filipa Oliveira

Luís Silva

Porque é que olhamos para as exposições?

Daniel Baumann

Gabriel Abrantes

Vinte anos passados sobre a institucionalização da performance, será que esta ainda está viva?

Hendrik Folkerts

David Cabecinha

Performance

Rita Natálio

Performance

Projeto de Artista

Fernanda Fragateiro

Projeto de Artista

Como podem as instituições e os artistas trazer para o centro da discussão o pensamento feminista e desafiar as noções de identidade de género?

Bruna Roccasalva

Filipa Bossuet

Ana Cristina Cachola